|
|
September 19 Le jazz est apparu aux États-Unis, en Louisiane, précisément à la Nouvelle-Orléans, à la fin du XIXe siècle ou début XXe siècle. Il est le fruit du métissage entre la culture européenne importée par les colons français, allemands, espagnols et irlandais et celle du peuple noir américain issu de l'esclavage. L'une des principales influences du jazz, outre les chants religieux et les work songs (chants de travail des esclaves dans les plantations de coton) fut le blues. Un événement important dans le développement du jazz fut le durcissement des lois de Jim Crow sur la ségrégation raciale en Louisiane, dans les années 1890. Les musiciens professionnels de couleur ne furent plus autorisés à se produire en compagnie de musiciens blancs ; en revanche, ils trouvèrent facilement du travail parmi les fanfares et les orchestres noirs, qu'ils firent profiter de leur expérience de conservatoire. À l'aube de la Première Guerre mondiale, on assista à une libéralisation des coutumes. Des salles de danse, des clubs et des salons de thé ouvrirent leurs portes dans les villes, et des danses noires telles que le cakewalk et le shimmy furent peu à peu adoptées par le public blanc, principalement les jeunes (les flappers). La plupart du temps, la musique de ces danses n'avait rien à voir avec le jazz, mais c'était une musique nouvelle, et l'engouement pour cette nouvelle musique expliquait l'engouement pour une certaine forme de jazz. L'apparition des phonographes permit par la suite, la diffusion de cette nouvelle musique. C'est l'enregistrement du premier disque en 1917 par l'Original Dixieland Jass Band (ironiquement un orchestre de musiciens blancs) qui marque la naissance officielle du jazz. King Oliver a été le chef d'un premier orchestre important, le « Creole Jazz Band » dont fera partie notamment le maitre du jazz, Louis Armstrong. Lors de quelques enregistrements spécifiquement destinés au public noir (les race records) Louis Armstrong amena une première évolution décisive du jazz : il jouait avec un orchestre typique de La Nouvelle-Orléans, ces orchestres où tous les musiciens improvisent simultanément. Mais Louis était un improvisateur hors pair, capable de créer des variations infinies à partir d'un même thème. Ses musiciens l'imitèrent, non plus tous en même temps, mais chacun leur tour. C'est ainsi que le jazz devint une forme de musique en solo. L'apparition des salles de danse influença le milieu du jazz de deux façons : les musiciens se firent plus nombreux, puisqu'ils commençaient à pouvoir vivre de leur musique, et le jazz – comme toutes les musiques populaires des années vingt – adopta le rythme 4/4 de la musique de danse. Au milieu des années 1920 jusqu’à l’avènement du bebop dans les années 1940, on a vu l'essor d'un courant musical appelé l’ère des bigs bands et du swing. Lors des années 1920, la prohibition de la vente de boissons alcoolisées aux États-Unis a fermé les bars et les cabarets légaux. Mais ils furent rapidement remplacés par des bars clandestins où les clients venaient boire et écouter de la musique. Les airs que l'on y entendait demeuraient un mélange de styles – des morceaux de danse à la mode, des chansons récentes, des airs extraits de spectacles. Cette période marqua la naissance de l'orchestre de Duke Ellington, au Cotton Club, ainsi que de l'orchestre de Count Basie, formé à partir de plusieurs groupes de Kansas City. La danse évolua elle aussi avec la musique, ainsi naquit au début des années 30 dans la communauté noire-américaine le Lindy Hop (ou Jitterbug) qui devint un phénomène national dès 1935, avec la popularisation des big bands blancs avec en particulier Benny Goodman. Les premiers développements du jazz subirent l'influence de la ségrégation raciale, qui était alors très forte aux États-Unis. Au milieu des années trente, la popularité du swing et des big bands était à son sommet, transformant en stars des musiciens tels que Glenn Miller ou Duke Ellington. Dans les années 1940, plus précisément 1944-1949, de nombreux musiciens d'orchestre se lassent de la rigidité des big bands et de la structure swing. Ils se réunissent (« after hours ») en petits groupes après les concerts ou les sessions d'enregistrement avec des orchestres plus importants et laissent libre cours à leur virtuosité sur des rythmes très appuyés. C'est la naissance du be-bop qui marque une évolution importante axée sur l'habileté technique des musiciens et une plus grande complexité rythmique et harmonique. Ce fut un changement majeur pour le jazz : de musique de dancing, il devenait un art intellectuel de premier rang. Dans les années 50, c’est l’apparition du latin jazz, qui permis au jazz de se diversifier et ainsi de prendre des accents afro-bresilo-cubain qui sentent bon, le mojito bien frais !!! Le latin jazz a surtout pris son essor après la mort de Charlie Parker. Des musiciens comme Dizzy Gillespie et Billy Taylor ont commencé des groupes qui utilisent les styles Afro-cubain et brésilien. L’on vit ainsi naitre la bossa nova. Mélangeant les influences de jazz, de samba, de musique classique et de musique populaire, la bossa nova remporta au commencement des années 60, un succès planétaire avec la chanson A Garota de Ipanema (The Girl from Ipanema, en anglais). Par la suite, les styles latins comme la bossa nova et la samba sont devenus une partie intégrale du vocabulaire musical du jazz. Plus tard dans les années 80, le smooth jazz, variante très accessible du jazz, fit son apparition, mêlant des sonorités douces, plus souvent instrumental que chanté, qui utilise souvent divers synthétiseurs, accompagnée d'une mélodie par un instrument jouant en solo. Le smooth jazz est très vendeur aux États-Unis, mais aussi très controversé, parce que considéré par les amateurs de jazz traditionnel, comme pauvre musicalement et uniquement commercial. On l’a vu, peu de mouvements musicaux sont en effet aussi particuliers que le jazz qui, en un peu plus de cent ans, a eu une histoire d’une belle complexité : parti d’un socle afro-américain, le jazz a et une succession d’évolutions et de révolutions, lesquelles provoquent tour à tour l’adhésion ou le rejet du public et des critiques (parfois contradictoires). " Est-ce du jazz ? " a été et est encore une question qui se pose souvent au sujet de tel ou tel album, artiste,… La majorité des musiciens considèrent cependant qu'ils jouent du jazz, malgré l'extrême diversité des musiques que l'on classe désormais sous ce nom. October 31
 MERCI A DELPHINE DE M'AVOIR SIGNALER CETTE VIDEO October 14
B.B. King, Angus Young, Jimmy Page… et tant d’autres guitaristes légendaires associés à tout jamais à la marque Gibson. Pour imposer sans complexe le slogan «Les meilleures guitares du monde» et recevoir l’adoubement de musiciens hors pair, Gibson a su innover et inventer.
1902,KALAMAZOO DANS LE MICHIGAN, ORVILLE H.GIBSON FONDE LA GIBSON MANDOLIN-GUITAR MANUFACTURING CO. LIMITED.
Fils d’immigré anglais, Orville Gibson est une sorte de marginal passionné. Seule la confection d’instruments l’amuse. Son talent d’acousticien associé à une curiosité sans bornes vont révolutionner le petit monde des fabriquants d’instruments de musique. Orville est un solitaire ; il aurait passé plusieurs séjours à l’hôpital psychiatrique de St. Lawrence. Il délaisse vite les ateliers de l’usine pour la table de travail de son garage.
C’est là qu’il expérimente et laisse libre cours à son imagination, dessine des mandolines et des guitares avec la table (le dessus de la caisse) incurvée - empruntant aux formes des violons Stradivarius - lui valant sa seule et unique invention brevetée. La facture de ses instruments sera le point de départ et la marque de fabrique des guitares Gibson. Il décède en 1918.
L’ESSOR DE LA GUITARE
L’entre-deux guerres est marqué par l’apparition des «big band», ce groupe de cuivres venus tout droit de la Nouvelle-Orléans, accompagnés généralement par un banjo. La tessiture du quatre ou cinq cordes permet aux banjoïstes de se distinguer nettement de l’orchestre sans amplification. Mais la roue tourne. C’est l’ère bénie des bluesmen, hurlant leur désespoir sur des guitares mal accordées aux quatre coins du pays. La vague prend forme, la guitare gagne ses titres de noblesse.
Présageant de ce qui allait bientôt être une lame de fond, l’entreprise Gibson recrute les meilleurs ingénieurs et acousticiens.
Calquée sur les Premiers modèles d’Orville Gibson, réappropriés judicieusement par Loyd Loar, sort de la manufacture de Kalamazoo au début des années vingt, la L5, guitare bombée creuse, percée sur les côtés de deux ouïes en forme de «f» desviolons. Les ingénieurs tentent d’y greffer un micro, mais la guitare produit des larsens épouvantables. Il faut attendre 1935 et les expérimentations de Walter Fuller, pour voir apparaître la première guitare électrique digne de ce nom.
Le micro est installé sur l’ouïe d’une guitare à table incurvée. Le 20 mai 1936, la première ES-150 (ES pour Electric Spanish) sort de l’usine. Gibson stoppe sa production pendant la Seconde Guerre mondiale. Lorsqu’il fait repartir les machines en 1945, Ted McCarty, l’audacieux président de Gibson, découvre une société américaine profondément bouleversée. L’air est au plaisir, à l’insouciance. Alors que l’Europe compte ses millions de morts, l’Amérique rompt avec ses années d’angoisse.
L’ARRIVÉE DE LES PAUL
Gibson, en situation de quasi-monopole, domine le marché et vend à tour de bras. Il y a bien un certain Leo Fender, qui s’escrime dans son atelier à confectionner des guitares électriques à corps plein, mais sans trop de succès. Jusqu’au jour où il annonce l’arrivée de la Broadcaster, une «Guitar solid body», guitare à caisse pleine.
C’est une révolution. La caisse creuse produisait des larsens insupportables, difficilement maîtrisés par les techniciens de Gibson, la caisse pleine offre des possibilités nouvelles, notamment un sustain (longueur de la note) époustouflant. C’est un nouveau défi pour Gibson, qui doit innover. Un nom revient aux oreilles du président. Il s’agit d’un certain Lester William Polfus, inventeur entre autres des consoles multipistes, et plus connu sous le nom de Les Paul.
LA LÉGENDE EST EN MARCHE
Lester Polfus confectionne dès 1941, c’est-à-dire avant Leo Fender, des guitares à caisse pleine. Il traîne le dimanche dans les ateliers d’Epiphone, situés dans le Queens, à New York, et laisse libre cours à sa créativité. Il scie en deux une Epiphone acoustique, y insère deux micros à simple bobinage, et visse un manche Gibson. Lester baptise sa créature «The Log», la bûche, pour son apparence rudimentaire.
Même si pour Gibson le prototype n’est qu’un «manche à balai avec des cordes et des micros», Lester rejoint l’équipe de Kalamazoo et s’attelle avec ardeur à sa nouvelle tâche. La légende dit que pour cacher ses secrets de fabrication, Lester laque d’or son meilleur prototype. Beaucoup plus abordable, la première Gibson Les Paul sort de l’usine en 1952.
Dorénavant, les ingénieurs de la firme doivent «sentir» le marché. La Les Paul Standard est déclinée en différents modèles, pour cerner au mieux la demande : Les Paul Custom (1954), Les Paul Special (1955). La même année, Gibson recrute Seth Lover, transfuge de Fender, qui développera les micros à double bobinage «humbucker». Des micros qui débarrassent des interférences, et qui confèrent aux guitares la rondeur et la légère coloration qui caractérisent le son Gibson.
TOUJOURS UN TEMPS D’AVANCE
En 1958, naît un extraterrestre, la Flying V, arrogante, ciselée, mais boudée par le public. Il faut attendre les performances de Jimi Hendrix, dont le nom reste aujourd’hui associé aux Stratocaster de Fender, pour voir les carnets de commande se remplir.
De la même manière, la Les Paul se vend mal à ses débuts. Gibson envisage même, un temps, de stopper sa production. Jusqu’au jour où le légendaire Jimmy Page de Led Zeppelin s’empare de la belle et l’intronise à tout jamais dans la cour des grands. Keith Richards, Eric Clapton, Brian Jones, ou encore Bob Marley : l’étendue des capacités de la guitare en fait la coqueluche des stars des années soixantedix à quatre-vingt.
Les rockers préféreront la SG («Solid Guitar»). Acérée, elle séduit Angus Young d’AC/DC et Tony Iommi de Black Sabbath. Les années quatre-vingt marquent un tournant. Dans les usines Gibson, les employés sont démotivés, le cahier des charges n’est plus respecté. Un amateur éclairé, Henry Juszkiewicz, rachète Gibson pour une bouchée de pain en 1986.
LA MÉTHODE JUSZKIEWICZ
Le nouveau PDG convie les luthiers à son discours inaugural. Devant ses quelque 70 employés, il rassemble les instruments qu’il juge imparfaits, met en marche la scie à ruban, et passe chacune des guitares à l’échafaud.
Aujourd’hui, Gibson compte 5 000 salariés dans le monde et une croissance annuelle de 20 %. La marque renoue aussi avec le culot. Gibson, en exclusivité mondiale, présente la première guitare digitale, la HD.6X-Pro, qui permet au musicien de régler et d’amplifier chacune des cordes.
Mais que les puristes se rassurent. La musique, au final, reste la rencontre entre un artiste et un instrument. Jimmy Page sublimant Stairway to Heaven en live grâce à sa Gibson EDS-1275, monstre à double manche, Alvin Lee du groupe Ten Years After maltraitant son ES-335 un soir d’août 1969 sur la scène de Woodstock ou encore B.B King embrassant, à la fin de ses concerts, les yeux pleins de malice, sa guitare Lucille, tendrement. September 23
Voici une petite compilation bien sympa, 4 cd de pure musique amérique, de quoi parcourir les Etats-Unis en musique !!!
August 15
Demain 16 août, marquera le trentième anniversaire de la mort d’Elvis Presley.
Depuis, le rock a changé. Pour certains, il s’est perdu. Mais le mythe du King est intact, tout comme le sont les fruits de cette époque, qui ont modifié pour toujours les moeurs occidentales.
Cette année 2007 marque une date importante pour le rock’n’roll.
Il y a bientôt trente ans, le 16 août 1977, s’éteignait Elvis Presley, celui qui restera à jamais comme son emblème.
Plus d’un demi siècle après ses premiers enregistrements, l’aura et la légende du King sont toujours aussi vivaces, bien au-delà des innombrables sosies qui ne vivent qu’à travers lui.
Qu’il soit ou non l’inventeur du rock’n’roll, cela importe peu. Le titre de l’exposition de la Fondation Cartier (cf. article précédent) laisse penser que non. Mais ce qu’a réalisé Elvis Presley dépasse largement le débat de spécialistes.
Le jeune Elvis est amateur des musiques noires de son époque, du blues au gospel.
Au cours de l’été 1953, il pousse la porte de ce qui n’est alors qu’un petit studio consacré à ces musiques : Sun Records, à Memphis. Il ne sait pas encore que c’est dans ce lieu, devenu depuis mythique, que son destin va basculer.
Après avoir enregistré deux titres à ses frais le premier jour, il revient le lendemain pour rencontrer le maître des lieux, Sam Philips. Celui-ci n’est pas convaincu par la voix du jeune homme, «pas souvent juste», mais par sa mémoire impressionnante. Il le fait revenir le 5 juillet. Les musiciens convoqués par Philips pour accompagner Presley ne sont pas plus enthousiastes. La journée touche à sa fin, et Sam Philips s’apprête à jeter l’éponge, déçu. 
C’est alors qu’Elvis entonne un vieux standard : That’s All Right Mama. L’interprétation «donna immédiatement la chair de poule» à Philips.
«Ce n’était pas la chanson à proprement parler, mais ce qu’en faisait Elvis», explique Sam Philips. «La chanson était à l’origine un blues, Elvis l’a transformé en rock and roll».
Un 45 tours est enregistré, et Sam Philips envoie son nouveau poulain en tournée dans la région. L’audace de Presley, ses déhanchements, ce son mariant les styles des musiques blanches et noires du sud des Etats-Unis, font tout de suite fureur.
A l’époque, les rythmes et mimiques suggestifs, parfois lascifs, des musiques noires, sont appréciés en secret par toute une partie de la jeunesse blanche. 
Le grand succès de Presley, c’est d’avoir permis au Blancs de s’approprier cela à travers lui. Les mouvements de bassin du King sont si équivoques, si brutaux, qu’il est alors surnommé «Pelvis».
Les adolescents adorent, les parents détestent et tentent de faire annuler les concerts. Mais le jeune prodige détourne les menaces d’interdiction.
Juste avant le début d’un concert floridien, Elvis est avisé de la présence de la police dans la salle, venue pour scruter son jeu de scène.
Il décide alors de ne remuer que son petit doigt pendant toute la durée du spectacle. Le public est aux anges, plus hystérique encore que si Presley avait fait son show habituel.
Un an à peine après ses premiers pas en studio, Presley est une vedette dans tout le sud des Etats-Unis.
Il rencontre celui qui deviendra son impresario et qui le restera jusqu’à la fin de ses jours : Thomas Andrew Parker. 
Dès leur alliance scellée, Parker décroche pour Presley un contrat avec RCA, la plus puissante maison de disques de la planète, et une apparition dans la célèbre émission télévisée le Ed Sullivan show. Cinquante millions d’Américains regardent Elvis se déhancher dans leur téléviseur, soit 80 % de part d’audience. Un record.
Presley a tout juste vingt ans, un premier disque d’or, et devient à ce moment-là le «King». Il continue à faire scandale, mais le succès est là.
Heartbreak hotel, Blue Suede Shoes, Don’t Be Cruel ou encore Hound Dog sont tous des succès, et en 1956, Elvis a déjà décroché 48 disques d’or.
Hollywood s’intéresse au phénomène, et lui offre des rôles taillés sur mesure. La plupart du temps, il incarne un Américain pauvre qui réussit grâce à la chanson. 
Les films sont inégaux, mais la seule présence de Presley est suffisante pour attirer les foules dans les salles.
Adulé par des fans hystériques, Elvis ne peut plus mener une existence normale. Il fait l’acquisition de sa résidence Graceland, à Memphis. Il y installe sa famille et ses amis.
Il y retrouve la paix, mais Graceland le coupera du monde extérieur, y compris de celui de la musique. D’autant que sa carrière de chanteur va connaître une longue parenthèse.
Presley est mobilisé en 1958. Il devra se rendre en Allemagne. Loin des siens, et alors qu’il vient de perdre sa mère, les années d’armée sont des années noires.
John Lennon dira plus tard qu’«Elvis est mort le jour où il est entré à l’armée». A son retour en 1960, il délaisse la musique pour le cinéma.
Il ne voit pas que le rock’n’roll a changé : les Beatles, les Stones et autres Doors sont passés par là. Ringardisé sur le plan musical, sa carrière sur grand écran devient caricaturale et il ne tourne plus que des navets. 
Le public se détourne de son idole. Mais le King n’est pas mort, et il va revenir.
LE RÊVE AMÉRICAIN
La vie d’Elvis Aaron Presley est l’archétype du rêve américain. Le 8 janvier 1935, il voit le jour dans une Amérique en pleine crise.
Ses parents sont pauvres, et alors qu’Elvis est âgé de treize ans, ils décident de quitter Tupelo pour rejoindre la métropole de Memphis, dans le Tennessee.
Devenu la plus grande vedette au monde, il incarne à la fois la plus belle des réussites et la révolution culturelle dont le continent avait besoin pour sortir des années mornes.
A la fin des années 60, Elvis abandonne la carrière cinématographique qui aura en partie terni son image.
Il décide de repartir à la rencontre de ceux qui ont fait sa légende : les jeunes hommes et femmes que sa musique fait vibrer. 
Le 3 décembre 1968, il soulève tout le pays grâce à une émission de télévision. Seul sur le petit écran de Elvis’ 68 NBC special, il reprend tous ses succès. L’Amérique retrouve son enfant chéri, au meilleur de sa forme.
Dès lors, le King enchaîne les concerts.
Au mois d’août 1969, il se produit 57 fois à l’hôtel Hilton de Las Vegas. En 1972, il effectue son retour à New York après quinze ans d’absence, et crée l’événement le 14 janvier 1973.
Depuis Hawaï, il donne le premier concert de l’histoire retransmis par satellite. Un milliard de téléspectateurs de toute la planète sont devant leur petit écran pour assister au spectacle.
Elvis n’est plus tout à fait un artiste, d’ailleurs il n’enregistre plus de nouveaux disques. Il n’est plus tout à fait un homme non plus. C’est un surhomme, doublé d’une icône, qui se produit sur scène. Et le public vient plus assister à un rituel qu’à un concert. 
Lors de ses entrées en scène, il est alors vêtu de ses «jumpsuits», paré d’une cape couverte de diamants.
Symbole surhumain, les premières sonorités sont celles du célèbre Ainsi parlait Zarathoustra de Strauss. Instants de célébration plus que de musique, les performances scéniques de Presley sont de plus en plus pauvres au niveau vocal.
Qu’importe, il correspond au personnage que l’Amérique tout entière réclame.
Il n’ose en sortir qu’en de trop rares occasions. L’homme n’apparaît presque plus derrière le personnage. Seul son corps traduit la chute d’Elvis Aaron Presley. Il prend du poids, devient bouffi, se bourre de médicaments, a des trous de mémoire.
Le King déprime, mais son pays se voile la face et continue à l’acclamer.
L’être humain mis au monde par Gladys en janvier 1935 n’existe plus, coupé du monde et prisonnier de son public. Il peut mourir.
C’est chose faite le 16 août 1977. Elvis Presley est retrouvé en fin d’après midi, inanimé dans la salle de bain de Graceland.
Ses funérailles, organisées dès le surlendemain, seront dignes d’un président. Plus de 30 000 personnes y assistent.
Aujourd’hui encore, la sépulture du King est visitée par plus d’un demi million de personnes par an. Dans sa grandeur comme dans sa chute, Elvis a symbolisé l’Amérique.
Il était l’Amérique.
C’est sans doute pour cela que, de New York à Los Angeles, ils sont encore nombreux à ne pas croire à sa mort. Ils n’ont peut-être pas tort. Elvis Presley est l’homme par qui est venue la libération des moeurs outre-Atlantique.
Les fruits de cette émancipation sont toujours présents, la légende du King toujours vivante.
July 18
La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente Rock’n’Roll 39-59, une exposition consacrée à la genèse et aux débuts du rock’n’roll aux États-Unis.
Regroupant des affiches exceptionnelles, des disques et objets rares d’époque, mais aussi des photographies, des films, et bien sûr de la musique et du son, l’exposition invite à revivre ce bouleversement culturel, miroir d’une société en pleine mutation. 
Véritable voyage sonore et visuel, l’exposition Rock’n’Roll 39-59 évoque la naissance d’un genre musical qui bouleversa l’Amérique et changera profondément la face du monde.
Au rez-de-chaussée, la première partie de l’exposition s’attache à capturer l’air du temps, l’esprit de liberté et de rébellion qui ont été au coeur de l’explosion du rock’n’roll au milieu des années 50. La seconde, au sous-sol, revient sur l’histoire du rock’n’roll, et en trace la généalogie à travers l’évocation des principaux lieux, événements et protagonistes.
L’esprit de liberté des années 50
En guise d’introduction, le film de Patrick Montgomery et Pamela Page, Rock’n’Roll The Early Days (1984) permet de se familiariser avec les grandes figures du rock’n’roll.
Cette salle obscure, à la fois salle de projection et lieu d’exposition, présente également un ensemble de douze affiches de concert qui mettent en avant le foisonnement et la diversité de la scène musicale des années 50, dans un graphisme et des couleurs qui ne sont pas sans évoquer les recherches menées plus tard par le pop art. 
Ces affiches originales, pour la plupart aujourd’hui introuvables, font partie des pièces les plus exceptionnelles de l’exposition. 
Trois autres objets particulièrement rares sont présentés en regard de celles-ci : les guitares d’Elvis Presley, Buddy Holly et Carl Perkins, trois protagonistes essentiels de la période.
La suite du parcours ouvre sur les photographies d’Elvis Presley réalisées par Alfred Wertheimer au cours de l’année 1956.
Ces images sont pour la plupart montrées pour la première fois.
En mars 1956, alors qu’Elvis Presley est sur le point de devenir une star nationale, sa nouvelle maison de disques RCA Victor engage le jeune photographe new-yorkais pour faire quelques photos.
Fasciné par le charisme du chanteur, Alfred Wertheimer décide de le suivre à ses propres frais, et parvient, en quelques jours de prises de vue échelonnées sur quelques mois, à saisir la simplicité, la beauté mais aussi la solitude de cet homme dont la vie est en train de basculer. 
L’oeuvre d’Alfred Wertheimer est demeurée largement inconnue jusqu’à une période très récente et cette exposition est une étape importante dans la reconnaissance de cette oeuvre exceptionnelle.
Véritable plongée dans les années 50, la grande salle du rez-de-chaussée rend, à travers des objets de la culture musicale de l’époque, un hommage au design des golden fifties : radios, micros, pick-ups, juke-box…, sans oublier la Cadillac, symbole de réussite sociale par excellence, très prisée des rockers. 
Mais c’est avant tout le son, ou plutôt sa fabrication, qui est exposé ici grâce à la reconstitution d’un studio d’enregistrement des années 50.
Diffusée sur des enceintes d’époque, une bande sonore faite d’archives de sessions d’enregistrement évoque l’atmosphère des studios des petits labels qui ont fait le rock’n’roll.
On découvre également dans cet espace des photographies inédites de William Eggleston prises en 2004 dans le studio de Norman Petty à Clovis, au Nouveau-Mexique. 
Usant pour la première fois du format panoramique, le célèbre photographe américain a su capturer l’atmosphère du studio, resté inchangé depuis que Buddy Holly et The Crickets y ont enregistré That’ll Be The Day ainsi que Peggy Sue, Oh, Boy ! et Maybe Baby pour Brunswick et Coral.
Les teenagers, une nouvelle culture
Le rock’n’roll est la première culture musicale spécifiquement adolescente. Ce sont les teenagers qui se sont les premiers approprié cette musique nouvelle, totalement incomprise par leurs parents.
De grands photographes américains des années 50 tels que Bruce Davidson, Esther Bubley, Eve Arnold ou encore Eliott Erwitt dressent le portrait de cette classe d’âge en quête de liberté et d’indépendance. 
Une collection exceptionnelle de magazines pour adolescents présentée ici reflète les préoccupations de cette nouvelle catégorie de consommateurs.
On y croise les figures de Marlon Brando et James Dean, idoles des teenagers et sources d’inspiration pour les rockers.
Hollywood ne s’y trompe pas et exploite la figure du rebelle et le thème de la « délinquance juvénile » associée au rock’n’roll.
Un riche héritage musical
Dans la deuxième partie de l’exposition (sous-sol), le rock’n’roll est replacé dans une perspective chronologique.
Avant de revenir sur l’histoire qui a conduit à cette formidable explosion, un « arbre généalogique » du rock’n’roll ouvre le parcours, permettant d’écouter les différents genres musicaux qui ont permis au cours des années 40 la création d’un son nouveau. 
Boogiewoogie, grands orchestres de jazz, gospel, blues, country et rhythm and blues sont évoqués au gré d’affiches, de disques rares, de photographies de musiciens, de partitions, mais aussi à travers le son et l’image. Le boogie-woogie, notamment, contient toutes les bases rythmiques du rock’n’roll.
C’est à la fin de l’année 1938 que le public blanc découvre, lors d’une série de concerts à Carnegie Hall, ce genre musical terriblement entraînant. Cette série de concerts déclenche alors une folie du boogie-woogie, appelée « the boogiewoogie craze ». 
Véritable préfiguration de ce qui se passera avec le rock’n’roll quinze ans plus tard, ce phénomène est le point de départ de l’histoire que raconte l’exposition tandis que le rhythm and blues, précurseur immédiat du rock’n’roll, se présente comme la dernière étape avant l’éclosion du nouveau genre.
L’Amérique des années 40 et 50
Le contexte historique et social des quinze années précédant l’explosion du rock’n’roll accompagne ce panorama musical sous la forme d’un parcours visuel.
Dans les années 40, Marion Post-Wolcott, Jack Delano et Russell Lee ont photographié pour le compte du gouvernement américain le Sud des États-Unis, ses paysages, ses petites villes, ainsi que ses habitants.
Intérieurs pauvres de paysans blancs, champs de coton, juke-joints (clubs de campagne dans lesquels les Noirs dansaient et écoutaient de la musique), équipements urbains marqués par la ségrégation, autant d’images qui restituent le quotidien des principaux acteurs de cette période d’émergence du rock’n’roll.
En parallèle figurent les faits historiques de la période 1939-1953, marquée par de grandes mutations politiques et sociales. Coupures de presse et photographies évoquent la Seconde Guerre mondiale et l’expansion économique qui la suivit, le développement de la société de consommation, la création des banlieues résidentielles blanches… 
L’explosion du rock’n’roll
À l’issue de ce voyage historique, le spectateur découvre une grande fresque murale. Cette oeuvre graphique établit une chronologie du premier âge d’or du rock’n’roll, mêlant dates liées à l’histoire musicale et jalons historiques.
Elle débute en 1954, année de l’enregistrement de Rock Around The Clock par Bill Haley, du premier disque d’Elvis Presley, mais aussi de l’arrêt Brown, premier coup de boutoir porté à la ségrégation.
Elle se termine en 1959, année de la mort de Buddy Holly, de l’arrestation de Chuck Berry et de la chute d’Alan Freed, le plus important disc-jockey rock’n’roll, victime d’une affaire de pots-de-vin ressemblant fort à un complot.
Jalonnée de nombreux points d’écoute, de films mais aussi d’objets, de vêtements ou de documents originaux, cette fresque permet de suivre pas à pas l’irrépressible montée en puissance du phénomène rock’n’roll : des chanteurs accèdent à la notoriété, des groupes se font et se défont, des personnages oeuvrent dans l’ombre, les anciens classements musicaux perdent progressivement leur sens ; simultanément le mouvement des droits civiques prend de plus en plus d’ampleur et la société américaine commence à changer de visage.
Face à cette fresque, des vitrines présentent les figures majeures de la scène musicale de l’époque : Louis Jordan, Bill Haley, Bo Diddley, Buddy Holly, Chuck Berry, Elvis Presley, Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Carl Perkins, Gene Vincent et Eddie Cochran. Leurs trajectoires sont évoquées à travers des disques, des archives et des documents vidéos et sonores. 
Parmi les objets particulièrement rares exposés ici, il faut souligner l’affiche du concert d’Elvis Presley à Jacksonville (deux exemplaires originaux au monde) ainsi que des lettres de Sam Phillips, premier producteur d’Elvis Presley, faisant la promotion du premier disque de celui qui n’est pas encore le King.
À l’issue du parcours, les visiteurs sont invités à poursuivre cette exploration musicale à la librairie de la Fondation Cartier (sur la mezzanine) où des bornes d’écoute leur permettent de découvrir ou redécouvrir dans leur intégralité deux cents titres de rock’n’roll.
Informations
L’exposition est ouverte tous les jours, sauf le lundi, de 10h à 20h. du 22 juin 2007 au 28 octobre 2007
Nocturne le mardi jusqu’à 22h.
Droit d’entrée : 7,50 €,tarif réduit*: 5,50 €
Fondation Cartier pour l’art contemporain
261, boulevard Raspail
75014 Paris
Tél. : 01 42 18 56 50
May 21
Née aux Etats-Unis, la musique country est aujourd’hui l’une des formes de musique les plus populaires au monde. Rythmique ou traînante, sentimentale ou émouvante, la country vient des musiques folkloriques celtes des immigrés irlandais et écossais. Cette musique, avec le blues un symbole de l'Amérique.
Elle prend ses origines dans les Appalaches où s’installent les premiers colons. Les compositeurs mettent par écrit les ballades traditionnelles de leurs pays d’origine en modifiant parfois la musique ou les paroles. Peu à peu ils y ajoutent des éléments de leur nouvelle vie, de leurs émotions nées du territoire américain, tout en gardant les caractéristiques européennes, notamment la présence du violon, la tradition des chants celtiques et des hymnes des églises protestantes.
En 1916, cette tradition de la musique country est compilée par Cecil J. Sharp ; ce compositeur anglais décortique plus de 1700 ballades, formant ainsi une impressionnante documentation. Au début du XXème siècle, l’utilisation du banjo se répand (plus facile à fabriquer et moins coûteux que la guitare) et s’intègre parfaitement à la musique country des Appalaches.
Survient ensuite la « Hill Billy music », ainsi surnommée par Al Hopkins quand le producteur Ralph Peer lui demande quel est son style de musique. Il répond « We’re just a bunch of hillbillies from North Carolina and Virginia. Call it anything you want ». 
Au fil du temps, la musique country devient un genre musical à part entière et engendre de nombreux styles tels que le old time country, the honky–tonk, le bluegrass, le western, le western swing, le rockabilly, le Nashville sound, le folk, la new country. La plus connue de ces déclinaisons est le bluegrass. Ce style musical originaire du Kentucky (dont on dit que le ciel donne à l'herbe des reflets bleus, au coucher du soleil), qui puise sa source dans les massifs montagneux des Appalaches. Il s'agit d'une musique très rythmée aux harmonies vocales à 3 ou 4 voix où le banjo, la contrebasse et la mandoline s’entremêlent à merveille.
Les nombreux styles de country se métissent également avec d’autres genres musicaux comme le jazz et se prêtent facilement au rythme du rock-and-roll. Le country rock en est une fusion très réussie ; une des meilleures illustrations est la rencontre entre Johnny Cash et Elvis Presley, en décembre 1956, qui allait donner naissance au désormais mythique Million Dollar Quartet, avec Jerry Lee Lewis et Carl Perkins.
C’est en 1924 que sont enregistrés les premiers disques de « Hill Billy music » par Columbia Records ; la même année, Vernon Dalhart devient le premier chanteur country de réputation nationale.
Les origines de la musique country moderne se retrouvent dans deux principales influences : Jimmie Rodgers et la famille Carter. L’humour, le whisky, le meurtre, la mort et la destitution sont des thèmes centraux dans l’oeuvre de Jimmy Rodgers, perpétuée par des artistes comme Hank Williams et Johnny Cash. La famille Carter marquera l’histoire de la musique country, par la voix de Sara et la guitare de Maybelle, annonciatrice de grands talents féminins comme Patsy Cline et Dolly Parton.
Dans les années 1960, Nashville, Tennessee, devient la capitale de la musique country. Le Nashville sound devient célèbre pour emprunter des sonorités à la musique pop des années 1950.
De Ray Charles à Patsy Cline, en passant par Willie Nelson la musique populaire des Etats-Unis est bien ancré donc dans la culture américaine. La country a souvent été décriée par certains critiques comme étant la musique préférée de « l'Amérique conservatrice et
blanche », mais a pourtant été influencée par deux chanteurs de country noirs : Ray Charles et Charley Pride. 
C’est à partir de 1990, que le line dancing (aujourd’hui de plus en plus populaire en France) commence à influencer la production de musique country. Ces années voient émerger des formes différentes de country : une nouvelle génération de musiciens tourne le dos au Nashville sound et emprunte des sonorités aux groupes punk et rock. Ces métissages de styles et la constante évolution des genres démontrent que la musique country est un style en perpétuel renouvellement, à la fois capable d’attirer de nouveaux publics et de satisfaire les inconditionnels. La country n'est pas seulement une musique mais aussi une danse qui accompagne ces rythmes populaires. S'apparentant à du madison, la danse country est simple et très amusante à faire (j'en ai d'ailleurs fait l'expérience!).
Elle revient de plus en plus sur le devant de la scène apportant avec elle, un état d'esprit, sans oublier le Stetson outil indispensable pour coiffer les apprentis cowboy! La country se démocratise est fait partie des styles de musique très en vogue actuellement, de nombreux chanteurs s'inspirent de ces rythmes populaires et ils n'est pas rare qu'aujourd'hui vous entendiez un peu de country dans différents albums. En termes de vente, la musique country talonne le rock and roll, et le chanteur Garth Brooks a vendu plus de disques que n’importe quel autre artiste dans l’histoire de la musique américaine - plus qu’Elvis Presley ou encore Michael Jackson.
|
Tools 
